El Mundo de la Guitarra Slide
Por Mark Humphrey
Trad. P. Tustin – A. Guitar

Cortesia para La Hora del Blues

Un fresco atardecer de mayo de 1996 vi a un viejo y legendario hillbily de Tennessee entretener a los padres e hijos de una escuela mayoritariamente hispana, con melodías hawaianas recordadas de su juventud.

¿Una experiencia multicultural? Aunque de manera no cohibida, Pete Kirby había pasado mas de medio siglo llamándose “Bashful Brother Oswald“ cómico palurdo, cantante de alta armonía y guitarrista que tocaba el dobro con los “Smoky Mountain Boys“ de Roy Acuff. A la edad de 84 años, fue llamado a California por un admirador de suyo de toda la vida, Wayne Brandon, director de la escuela elemental de Palmer Way en National City, a unos pocos kilómetros al norte de la frontera con Méjico. Los estudiantes de la escuela elemental de Brandon habían pasado todo el mes previo estudiando la historia del Dobro, y la empresa envió un representante para honrar a “Os” por su contribución de toda su vida a éste instrumento.

Roy Acuff

Este modesto y genuino sideman de country fue tratado como una gran estrella en National City (el alcalde le ofreció las llaves de la ciudad). Raramente se lo hubieran ofrecido en Nashville, aunque durante 57 años fue habitual del Opri, y sólo le concedieron ser miembro oficial de la “Iglesia Madre” del country en 1995. Bajo palmeras y una brillante luna en un anfiteatro al aire libre, Oswald, suficientemente viejo para recordar cuando los hillbillies y los hawaianos hicieron música juntos por primera vez, tocó su Dobro de 1935 mientras una chica bailaba hula al son de “The Island March” una melodía que había aprendido a principios de 1930 en Flint, Michigan, de un hawaiano conocido como Rudy Waikiki. Los estudiantes hicieron bailes tradicionales mejicanos en honor a su invitado (uno de ellos presentó el balancear de un vaso de agua en la cabeza). La yuxtaposición dulcemente surrealista y metafóricamente perfecta de la hispanic California y del venerable Tennessiano y su estilo en la guitarra empapado de música hawaiana, fue el regreso al hogar de un sonido arrastrado a la orilla de California hace más o menos un siglo y que desde allí se extendió para asombrar al mundo.

Mientras no podamos dar fecha precisa a su recalada, un acontecimiento fue fundamental. El 20 de febrero de 1915 se inauguró en San Francisco la Exposición Internacional Panamá-Pacífico con una duración de siete meses. Una ostentosa celebración con motivo de la finalización del Canal de Panamá, que exhibía todo tipo de cosas venidas de todos los Estados Unidos y del resto del mundo incluyendo el territorio de Hawai. El pabellón hawaiano se convirtió en el éxito de la exposición, ofreciendo espectáculos de bailarinas de hula, junto a la música del Royal Hawaian Quartett, un grupo dirigido por el guitarrista Keoki Hawai. Varios notables guitarristas hawaianos actuaron en la exposición incluyendo al aclamado –aunque a menudo discutido– padre de este estilo, Joseph Kekuku. Más de trece millones de visitantes acudieron a la exposición. Esta no fue la primera vez que la música hawaiana se dio a conocer a los americanos –la Royal Hawaian Band había estado en la feria de Chicago de 1895– siendo considerado el acontecimiento clave de la llamada “moda de la música hawaiana“, durante los siguientes 20 años. Un torrente de grabaciones de este estilo aparecieron en 1916 y algunas estimaciones sugieren que aquel año se vendieron más discos de música Hawaiana en el continente americano que de cualquier otro estilo.

En 1917 las guitarras de estilo hawaiano comenzaron a ofrecerse en los catálogos de venta por correo, como el de Sears. El primer método de guitarra hawaiana escrito por Keoki Hawai fue publicado en 1916.

La popularidad del estilo de guitarra hawaiano se extendió rápidamente por todo el mundo vía discos, emisoras de radio y grupos musicales que hacían giras. Al igual que Frank Ferera, el vaquero de padres portugueses nacido en Hawai que grabó literalmente cientos de discos, había también músicos en la oscuridad que todavía no habían grabado nada, como Rudi Waikiki, y que fueron importantes para inspirar a hombres como Oswald que, a su vez, fueron difusores del estilo de guitarra hawaiana hacia otros géneros.

La fusión de la música hawaiana con lo que ahora llamamos música country fue muy evidente en los años 20, y esos sonidos devinieron populares y emulados mucho mas allá del sur de los Estados Unidos. Grupos musicales que tocaban música hawaiana y que viajaron ampliamente, la llevaron a través de Europa, Asia, América Latina y Australia. Grabaciones de la música popular de las islas, incluyendo la guitarra hawaiana, aparecen por todas partes desde por lo menos los años 30 y las guitarras hawaianas parecen haber sido particularmente populares en Indonesia.

La relación de la guitarra hawaiana con el blues afro-americano es más problemática. A menudo se dice que el estilo bottleneck es una adaptación del estilo de guitarra hawaiano pero, en el mejor de los casos, es una verdad a medias. W.C. Handy oyó el estilo bottleneck en 1903 en la estación de tren de Tutwiler (Mississippi). “Un negro delgado y descoyuntado había comenzado a tocar una guitarra a mi lado mientras yo dormía”, Handy escribió en su autobiografía de 1941 “El Padre del Blues”. “Sus ropas eran harapos, sus pies asomaban por los zapatos, su cara mostraba algo de la tristeza de toda una eternidad. Mientras tocaba, presionaba las cuerdas de su guitarra con una navaja a la manera popularizada por los guitarristas hawaianos que usaban barras de acero. El efecto fue inolvidable… la música más extraña que jamás he oído”. El encuentro de Handy con la guitarra slide al estilo del Delta antedata la más temprana grabación de la guitarra hawaiana conocida (en cilindro Edison en 1909 por Joseph Kekuku), pues seguramente ningún grupo hawaiano de los que solían hacer giras había llegado a Mississippi en 1903. Mientras algunos guitarristas del estilo slide fueron influenciados por los hawaianos (Casey Bill Weldon fue apodado “El mago de la Guitarra Hawaiana”), hay buenas razones para creer que el estilo slide de blues es esencialmente africano en origen. Instrumentos de una cuerda con arco son corrientes en Africa, especialmente en las regiones de la costa oeste y el Congo de donde se provenían muchos de los esclavos. El arco musical es esencialmente un arco de caza, que cambia el tono de muchas maneras, incluso deslizando un objeto duro como un palo o una navaja por toda su longitud. Según el Dr. David Evans en su libro “Instrumentos afro-americanos de una cuerda” (Western Folklore, 1971) incluso existe una auténtica técnica de bottleneck, ya que un miembro de la tribu Mtende de Kenia usaba una calabaza como resonador atada a su arco y el tallo de la misma lo utilizaba como slide en el dedo corazón de la mano izquierda.

Postales antiguas de Hawai

Si creemos las leyendas concernientes a los orígenes de la guitarra hawaiana atribuidas a Joseph Kekuku, parece que ocurrió por accidente. Según se cuenta, allá por 1894, a Kekuku se le cayó un peine sobre las cuerdas de la guitarra. Intrigado por aquel sonido, empezó a pisar las cuerdas con la hoja del peine. Otra de las variantes de esta historia del peine, cuenta que es un barbero de Honolulu, William Bradley, quien reclama la invención de la guitarra hawaiana. En otro texto, se dice que una navaja cayó sobre las cuerdas de la guitarra de Kekuku, y en otro más, se dice que a Kekuku se le cayó su guitarra en las vías del tren y se quedó encantado al oír el gemido de slide del acero contra el acero. Pintorescos cuentos de torpeza transformados en auténticos descubrimientos. Hay buenas razones para dudar que realmente Kekuku fuera el primer guitarrista de estilo hawaiano –se cree que fue un tal Gabriel Davison quien tocó por primera vez en este estilo durante la celebración del Jubileo del rey Kalahau en 1866-, aunque en otro capítulo de la leyenda de Kekuku, en que se le muestra más voluntarioso que propenso a accidentes, se dice que a menudo tocaba con su primo violinista y que se sintió atraído por los glisandos deslizantes que son posibles en un instrumento sin trastes. Esto le llevo a experimentar sobre diversas maneras de conseguir un tono parecido al violín en la guitarra, pisando las cuerdas con un peine, un vaso y más tarde con una barra de acero que hizo en el taller de la escuela para chicos de Kamehamea.

El triunfo de Kekuku sobre las limitaciones tonales de la guitarra, ilustra un hilo común a los muchos acercamientos a la guitarra slide. El estilo slide permite que un guitarrista se aproxime a los tonos fluidos del violín y, aún más importante, a la voz humana. La calidad vocal de la guitarra slide es evidente en sus muchas variantes, tanto en el enfoque hawaiano y en sus derivados de country, como en el estilo de bottleneck blues afro-americano y su pariente el gospel, donde la guitarra slide a menudo actúa antifónicamente como una segunda voz. Ciertamente es en el estilo clásico hindú en el cual la aproximación a los matices vocales –llamados gayaki ang– se desarrolla a la perfección.

Desde el inicio de su popularidad en los Estados Unidos a principios del siglo XX, la guitarra slide, tanto si se toca sobre las piernas “lap style” o en la posición estándar con un cuello de botella “bottleneck” o con otro tipo de cilindro, ha sufrido una profunda evolución. Pocos estilos de guitarra moderna tienen una historia tan compleja, con una gran diversidad de guitarristas que han adaptado e interpretado el método en tantos contextos musicales.

Los términos “lap style” y “bottleneck” son útiles para entender cómo se desarrollan los estilos actuales del toque de la guitarra slide. El “lap style” se refiere a la forma de tocar una guitarra acústica o eléctrica con las cuerdas muy altas, poniéndola horizontalmente sobre las piernas, deslizando sobre las cuerdas una barra de acero u otro tipo de cilindro. El “bottleneck” hace referencia a la forma de tocar la guitarra en la posición estándar con un tubo de metal o cristal –como el cuello de una botella o un bote de un medicamento– colocado en uno de los dedos de la mano izquierda. Ambas técnicas pueden sostener y doblar notas de manera que emulen varios matices de la voz humana.

La mayoría de los historiadores están de acuerdo en que la guitarra lap style se origino en Hawai, varias décadas después de que los isleños descubrieran por primera vez la guitarra de los vaqueros llevados en 1833 desde el Méjico español a Hawai por el rey Kamehamea para controlar la población de ganado salvaje. Aquellos vaqueros volvieron a California sólo unos meses después, pero algunas guitarras que vendieron, cambiaron o dejaron, fueron durante muchos años objetos de intensa fascinación entre los isleños.

En su introducción “Hawaian Slack Key Guitar” (oak), Keola Beamer escribe que los hawaianos sólo tuvieron un breve contacto con el toque de la guitarra española, por lo que no tuvieron más remedio que inventarse ellos mismos la manera de tocarla. En aquella época la mayoría de la música hawaiana se basaba en escalas mayores y los guitarristas hawaianos empezaron a afinar las cuerdas en un acorde mayor para poder tocar las progresiones de acordes básicos de sus canciones nativas, sencillamente poniendo el slide en un traste determinado. No queda claro cuándo y cómo el Lap Style fue descubierto.

Lo que sí parece cierto es que, a finales del siglo XIX, la guitarra lap style, tocada en una afinación abierta con un cilindro o una barra de acero, estaba muy integrada en la música hawaiana.

Los americanos empezaron a descubrir la música de la guitarra slide hawaiana alrededor de 1915, después de que el Royal Hawaian Quartet hubiera cautivado y generado audiencias récord con su nueva música en la Exposición Internacional Panamá–Pacifico en San Francisco. Discos de 78 rpm. de música hawaiana se hicieron inmensamente populares durante los años que siguieron, y no paso mucho tiempo antes de que su atracción se extendiera mas allá de América, llegando hasta Europa y la India. En 1919 el guitarrista hawaiano de Honolulu, Sol Hupii, viajó como polizón a bordo de un transatlántico que atraco en San Francisco. Después de trasladarse a Los Angeles en 1927, Hoopii formo un trío y empezó a grabar solos calientes e improvisados sobre melodías de jazz y blues en el hawaiano lap style. A mediados de los años treinta, los guitarristas más populares de lap style tales como Hoopii y Roy Smeck habían inventado afinaciones y técnicas de tocar más sofisticadas, incluyendo la inclinación de la barra a través de las cuerdas para tocar acordes más complejos. Hoopii tuvo tanto éxito que Hollywood le contrató en películas tales como “Bird of Paradise”, “Waikiki Wedding”, “Son of the Islands” y varias películas de Charlie Chan.

Algunos fabricantes de guitarras americanos respondieron al interés explosivo por la guitarra slide hawaiana inundando el mercado con instrumentos baratos de venta por correo. Otros se tomaron más seriamente aquella oportunidad, como los hermanos Dopyera, que introdujeron la guitarra resonadora a finales de los años 20, con un sonido mucho más fuerte y llamativo que la típica guitarra acústica de la época. El distintivo sonido, como de una campana, de la guitarra de cuerpo de madera de Dobro y de cuerpo de metal de National fue casi omnipresente en los discos de los años treinta. Para entonces el lap style ya había sido adoptado por los primeros músicos de country, tales como Frank Hutchinson, Cliff Carlisle y Pete Kirby, quien más tarde llegaría a ser conocido como “Brother Oswald” con los Smokey Mountain Boys de Roy Acuff. El toque de dobro al estilo hawaiano de Oswald encajaba perfectamente en el contexto de las canciones hillbilly de Acuff, que se hicieron populares a través del todo país y también en el extranjero en programas de radio como el Grand Ole Opri. Sin duda aquellas emisiones tuvieron una influencia poderosa en músicos como Buck Graves y Tut Taylor, cuyos toques innovadores hicieron del dobro un instrumento popular en la música Bluegrass en los años cincuenta.

Con el desarrollo de la guitarra lap style amplificada eléctricamente por el pionero del Western Swing, Bob Dunn (Milton Brown and his Musical Brownies), ésta consiguió tener todavía un mayor impacto. El toque al estilo de jazz de Dunn y las innovaciones técnicas, produjeron el género de la Steel Guitar, más tarde popularizado por músicos como Leon Mcauliffe (Bob Wills and his Texas Playboys) y Don Helms (Hank Williams) que modificaron más la afinación, las técnicas y sobre todo el diseño en si, fusionando dos, tres e incluso cuatro guitarras eléctricas “Lap” para hacer unos instrumentos enormes, del tamaño de una mesa que se colocaban sobre patas ajustables y enroscables.

La invención de la guitarra con pedales de pié y palancas de rodilla que suben y bajan el tono de las cuerdas, casi consiguieron hacer obsoletas las tradicionales guitarras de los años 60, aunque guitarristas como Speedy West y Lucky Oceans las mantuvieron vivas durante los años 60 y 70, gracias a sus excelentes grabaciones con Jimmy Bryant tituladas “Asleep at the Wheel”. Más recientemente la guitarra de metal lap style ha gozado de una resurrección gracias a guitarristas como David Lindley, cuyos solos sublimes han sido el gancho de muchos de los discos de Jackson Brown, así como las excéntricas meditaciones de country-retro de Junior Brown.

La guitarra slide y el blues son prácticamente inseparables. Aunque el blues es mas un estado de ánimo que un tiempo o un lugar, la cuenca del río Yazoo y Tallahatchie fueron el epicentro del blues rural sureño en los años treinta.

Muchos de los grandes y originales guitarristas de bottleneck blues emergieron de esta tierra fértil. Barbecue Bob, Son House, Charley Patton, Robert Johnson, Willie Brown, Bukka White y muchos más grabaron extensamente para las colecciones de Race Records a finales de los años veinte y principio de los treinta. Su apasionado y a menudo primitivo blues influenció a una generación entera de grandes guitarristas de blues como Muddy Waters y Elmore James, que adaptaron los estilos rurales y acústicos de bottleneck que habían aprendido en Mississippi, evolucionando hacia un estilo más moderno, el blues urbano, tocado con guitarra eléctrica en ciudades como Chicago y Kansas City.

Bukka White

A su vez los sonidos eléctricos de Waters y James estimularon la imaginación de otra generación de jóvenes entusiastas en ambos lados del Atlántico, como Duane Allman, Mike Bloomfield o Eric Clapton, que a finales de los 60 y durante los 70, fusionaron la enérgica emoción del blues con la cruda energía de la guitarra de rock. El New York Music Revival, celebrado a finales de los años 50, sacó a la luz a varios grandes guitarristas acústicos de bottleneck, como Mance Lipscomb o Mississippi Fred McDowell, que durante décadas habían caído en una relativa oscuridad, pero cuyo toque auténtico estaba intacto y muy afilado. Su redescubrimiento influenció a guitarristas tan creativos como Ry Cooder, que dominaba los estilos más antiguos de blues y los mezclaba con Folk, Rock y R. & B. para hacer su propio estilo de música. Otro artista que ayudò a popularizar nuevamente el sonido acústico bottleneck, es Leo Kottke, cuyo hábil “fingerpicking” con las 6 y 12 cuerdas realzó el poder del guitarrista, convirtiéndolo en una nueva forma de arte contemporáneo.